C'est ainsi que Disney a conçu la production de « Tomorrowland ». Le monde de demain

L'histoire de "Tomorrowland". Tomorrowland a commencé avec une boîte intitulée « 1952 », qui aurait été découverte par hasard dans les archives des studios Disney.

De la main de Disney vient Pays de demain. Le monde de demain, la fascinante aventure mystérieuse de Brad Bird, lauréat de deux Oscars avec la présence stellaire de George Clooney. Unis par un destin commun, Frank (Clooney), ancien enfant prodige désillusionné par les vicissitudes de la vie, et Casey (Britt Robertson), un adolescent brillant et optimiste à la curiosité scientifique débordante, se lancent dans une mission pleine de dangers pour percer les secrets d'un lieu énigmatique connu sous le nom de « Tomorrowland ». Ce qu’ils doivent faire là-bas changera le monde pour toujours et leur vie aussi.

Le film est réalisé, produit et co-écrit par Brad Bird, deux fois oscarisé (MI4 : Protocole Fantôme, Les Indestructibles). Damon Lindelof (Star Trek, Star Trek dans le noir) et Jeffrey Tchernov (Star Trek, MI4 : Protocole Fantôme) sont également les producteurs. John Walker (Les Indestructibles), Bernard Bellew (Les Misérables, 28 semaines après), Jeff Jensen et Brigham Taylor (la première à venir Le livre de la jungle) sont les producteurs exécutifs.

Le scénario de Pays de demain. Le monde de demain est écrit par Damon Lindelof, scénariste et co-créateur de Perdu y Brad Bird, a partir de una historia de Lindelof & Bird & Jeff Jensen. Además cuenta con los actores Hugh Laurie Mr. Pip, la serie televisiva Dr House), Raffey Cassidy (ombres sombres, Blanche Neige et le chasseur), Tim McGraw (Un rêve possible, comme chez soi nulle part) Kathryn Hahn (Là tu restes), Keegan-Michael Key (Comment finir sans ton patron 2) et Thomas Robinson (un peu de changement).

L'équipe exceptionnelle de Bird comprend le directeur de la photographie oscarisé Claudio Miranda (La vie de Pi, l'étrange cas de Benjamin Button), le décorateur Scott Chambliss (Star Trek, « Star Trek vers les ténèbres »), le costumier nominé aux Oscars Jeffrey Kurland (Origène, Ocean's Eleven), le rédacteur oscarisé Walter Murch (Le patient anglais, Cold Mountain) et le rédacteur Craig Wood (Gardiens de la Galaxie, The Lone Ranger).

Une idée née en 1955

En 1955, Walt Disney crée une section à Disneyland appelée Demainland. À cette époque, les Américains envisageaient l’avenir avec optimisme. Au fil des années, notamment dans les années 70, le public a commencé à voir l’avenir de plus en plus sombre. Brad Bird, le réalisateur du film, observe : "Il y a deux façons de regarder une toile vierge : l'une comme quelque chose de vide et l'autre comme quelque chose de plein de possibilités. Et c'est comme ça que j'aime voir l'avenir, plein de possibilités. C'est une façon de voir l'avenir qui n'est pas à la mode."

L'histoire de Pays de demain. Le monde de demain Tout a commencé avec une boîte intitulée « 1952 », qui aurait été découverte par hasard dans les archives des studios Disney. La mystérieuse boîte contenait toutes sortes de plans et modèles fascinants, de photographies et de lettres liées à la création de Tomorrowland et à l'Exposition universelle de 1964. Lindelof était enthousiasmé par cette découverte et commença à imaginer que le contenu de la boîte était un guide vers une histoire secrète que personne ne connaissait. Mais si c’était vrai, quelle serait l’histoire ? Pour moi, la réponse la plus évidente était qu’il existait un endroit appelé Tomorrowland qui n’était pas un parc à thème mais quelque chose qui existait dans le monde réel.

Lindelof a commencé à développer l'intrigue en s'intéressant à l'histoire de Disney et de son créateur, ce qui a conduit l'entreprise à s'impliquer dans l'Exposition universelle de 1964. "Walt Disney était un visionnaire du milieu du siècle dernier", explique Lindelof. "Il était très optimiste. Il croyait que la technologie était la clé pour construire un monde meilleur. Il croyait également aux possibilités de la technologie pour créer le meilleur divertissement. Walt Disney a créé trois attractions pour l'Exposition universelle de 1964, et celle intitulée It's a Small World est celle dont nous nous souvenons le plus. Même si pour ce qui existe aujourd'hui, cela peut sembler un peu daté, en 1964, "Carrousel of Progress" et "Great Moments with Mr. Lincoln" étaient révolutionnaires dans leur manière d'utiliser la robotique. et la technologie pour créer une expérience avec un thème très riche.

Lindelof ajoute : « Elle véhicule également un message d'optimisme radical. C'était en 1964, le monde était au bord d'une catastrophe thermonucléaire à cause de la crise des missiles de Cuba, et la chanson « It's a Small World » a été écrite en réponse à un monde qui était sur le point d'entrer dans une guerre nucléaire mais qui avait remonté le temps. Et il était maintenant temps de reconnaître que nous ne nous étions pas détruits. un monde de peurs" faisait référence à "l'angoisse que cette situation provoquait". Même si cela semble un peu ringard et sentimental maintenant, j'ai trouvé fascinant que l'attraction reflète cette peur bien réelle. Il véhicule un message politique radical et également très idéaliste. »

Le succès de l'Exposition universelle a permis à Disney de trouver des financements pour son prochain projet, l'Experimental Prototype Community of Tomorrow, ou Epcot. La vision de Disney était une ville modèle qui serait une expérience à la fois en matière d'urbanisme et d'organisation ; C’était un véritable monde de demain où l’urbanisme allait de pair avec la technologie pour créer un cadre de vie optimal. Mais Walt Disney est décédé avant qu'Epcot puisse être construit, et la société Disney a décidé qu'elle ne voulait pas créer une ville sans sa contribution. Le concept de communauté modèle a été modifié pour devenir une grande « Exposition universelle permanente » avec deux petits quartiers résidentiels pour les employés et leurs familles immédiates. Le parc existe toujours aujourd'hui à Lake Buena Vista, en Floride.

"Walt Disney a toujours innové", déclare admiratif le réalisateur Brad Bird. "Il n'a jamais eu peur d'être le premier à faire quelque chose. Il a été l'un des premiers à introduire le son, le son et la couleur dans l'animation. "Fantasia" avait un son stéréophonique quinze ans avant tout le monde. Quand il a commencé à travailler sur le projet Disneyland, tout le monde pensait qu'il était fou. Disney sautait toujours d'un avion, puis improvisait un parachute en sautant. Il s'intéressait à beaucoup de choses comme les voyages dans l'espace ; il suffit de regarder toutes ces émissions spéciales qu'il a faites avec Ward Kimball à la fin des années 1990. cinquante pour comprendre la passion que Walt éprouvait pour l'idée de progrès. Il avait une curiosité inépuisable et Le Monde de Demain, l'Exposition Universelle, Epcot, en sont de très bons exemples.

Bird ajoute : "Disney avait l'habitude de dire : 'Je ne fais pas de films pour gagner de l'argent ; je gagne de l'argent pour faire des films.' Était-il alors l’homme parfait ? Non. Mais quand on voit tout ce qu'il a fait dans sa vie, c'est incroyable. Je le considère comme un innovateur. Il avait une vision très proactive et positive de l’avenir. Et je suis ravi de penser qu'il aurait aimé ce film."

Lorsque Lindelof a terminé ses recherches, il s'est tourné vers Jeff Jensen pour l'aider à développer l'histoire. "Quand je faisais 'Lost'", raconte Lindelof, "Jeff travaillait comme journaliste à Entertainment Weekly. Il avait un cerveau incroyablement imaginatif. Il regardait 'Lost' chaque semaine et il proposait des théories incroyables si imaginatives qu'il me disait parfois que j'aurais dû faire la série comme Jeff me l'avait dit. Il était donc la personne idéale pour m'aider à recréer une histoire fictive qui établissait un lien entre tous les objets que j'avais trouvés dans la boîte. "

"Pays de demain. Le monde de demain C'est le film Disney par excellence », déclare le producteur exécutif Jeff Jensen, qui a également écrit l'histoire avec Bird et Lindelof. « Il est enraciné dans les valeurs de Walt Disney. Le spectateur verra des effets spéciaux étonnants et une narration très innovante. De plus, nous avons essayé de rester fidèles à l'esprit incarné dans des lieux comme Tomorrowland et Epcot, des lieux dont Walt Disney imaginait qu'ils serviraient à développer de nouvelles idées pour l'avenir. Walt et son œuvre changeaient et évoluaient constamment, car dans son esprit, l'avenir n'était jamais fixé ; "L'avenir est un projet toujours inachevé."

Lindelof et Jensen ont écrit une ébauche très détaillée de l'histoire. Ensuite, Brad Bird et Damon Lindelof sont allés déjeuner et, dit Lindelof, "Il se trouve que Brad en savait beaucoup sur Walt Disney, alors tout a commencé à se mettre en place. Brad et moi avons commencé à écrire ensemble à partir de cette base."

Il est vrai que le scénariste et réalisateur Brad Bird n'était pas étranger au monde de Disney et pas seulement parce qu'il avait travaillé sur ses précédents projets. À l'âge de 11 ans, Bird s'intéresse à l'animation et réalise en trois ans un film d'animation de 15 minutes qui attire l'attention de Disney Animation. Alors à l'âge de 14 ans, ils lui proposent de lui assigner un mentor, le célèbre maître de l'animation Milt Kahl. Bird est resté chez des amis de la famille à Los Angeles pour profiter d'une opportunité unique.

En faisant référence à l'histoire de "Tomorrowland", Bird souligne : "C'est une histoire très non traditionnelle et les protagonistes sont atypiques. C'est une chance de pouvoir travailler à grande échelle mais j'espère aussi qu'elle surprendra aussi. Elle incarne les deux aspects du futur : ce qui est merveilleux et ce qui fait peur. Les deux aspects ont une part de mystère, c'est donc une aventure intéressante."

Comment cela a été fait

Le designer Scott Chambliss s'est chargé de recréer l'univers de Demainland. Le monde de demain. "Il n'y avait rien d'écrit sur Tomorrowland dans le scénario", explique Chambliss. "C'est pourquoi nous avons passé beaucoup de temps à travailler avec Brad et Damon pour développer non seulement l'apparence de Tomorrowland mais aussi ce que Tomorrowland signifiait. Le monde de demain. Créer une nouvelle civilisation utopique était une tâche très compliquée. Mais c'est là que réside la joie de créer quelque chose de spécial et auquel le public ne s'attendait pas. "

Ce qui est établi depuis le début, c'est Tomorrowland. Tomorrowland en 1964, lorsque Frank le voit pour la première fois, et Tomorrowland en 1984, l'année de la vision induite par l'épingle de Casey, formaient « un partenariat très équilibré », dit Chambliss. "Plus Ultra se sentait responsable de son environnement, pas seulement de le embellir et d'en prendre soin ; il y avait cette idée que l'homme était à la fois pionnier et berger de la planète. Ainsi, la ville évolue progressivement à partir de la nature pour ensuite y revenir. C'est une véritable déclaration de principes."

Mais quand est venu le temps de créer une ville construite par des visionnaires avec les dernières technologies, il fallait qu’elle ait exactement ce look et trouver un endroit comme celui-là n’allait pas être facile. Au début, il semblait qu’ils allaient devoir construire Tomorrowland à partir de zéro, un projet long et coûteux. Mais une série de coïncidences heureuses se sont produites lorsque Tom Peitzman, producteur et coproducteur des effets visuels du film, a trouvé un lieu très futuriste et l'a montré au réalisateur Brad Bird. Il l'a vu dans une publicité et cela avait l'air si futuriste qu'il l'a enregistré sur son téléphone et l'a montré au réalisateur Brad Bird. Le lieu était la Cité des Arts et des Sciences de Valence en Espagne, conçue par Santiago Calatrava, dont le travail avait déjà été une source d'inspiration pour le décorateur Scott Chambliss.

La découverte correspond également à la préférence du réalisateur Brad Bird pour les lieux physiques plutôt que les décors virtuels. Un groupe de scouts a été envoyé et c'est ainsi que Valence est devenue le squelette de Tomorrowland. Le monde de demain, presque littéralement. "L'architecture de Calatrava est splendide et innovante", déclare le producteur Jeffrey Chernov. "C'est comme un squelette, comme si vous regardiez les vertèbres d'un dinosaure ou d'un poisson préhistorique. Vous entrez et vous ne voulez pas partir. Et c'est le sentiment que nous recherchions pour Tomorrowland."

George Clooney a déclaré à propos du tournage dans la Cité des Arts et des Sciences : "Je ne connaissais pas Valence et je connais bien l'Espagne, qui est un pays absolument merveilleux. C'était donc génial d'y aller pour filmer. L'imagination de l'architecte reflète cette grande philosophie de vie optimiste dans laquelle vous dites : 'Je veux construire cela' et quelqu'un le construit. C'est incroyable."

Pas tout Tomorrowland. Le monde de demain pourrait s'intégrer dans la Cité des Arts et des Sciences, notamment le monorail, l'énorme sphère énergétique et le gigantesque moniteur, qui forment ensemble la scène de Bridgeway Plaza. Même s’il semblait probable qu’un décor serait construit et étendu grâce à la technologie informatique, il a finalement été conclu que s’appuyer autant sur un écran vert n’était pas une bonne solution. "Dans les films avec beaucoup d'effets visuels", explique Tom Peitzman, "il faut trouver un équilibre entre les décors physiques et l'image de synthèse. Les gens s'appuient trop sur l'image de synthèse et au final, c'est à ça que ça ressemble, juste de l'image de synthèse. J'ai toujours aimé le style old-school. J'aime que le réalisateur fasse autant que possible avec la caméra pour qu'il ait quelque chose à regarder, à toucher et à éclairer. Je préfère avoir dix pour cent de matériel tourné sur un plateau physique plutôt qu'un matériel à cent pour cent numérique ; même s’il ne s’agit que d’une petite partie, c’est quelque chose sur lequel la technologie de l’imagerie informatique peut s’appuyer. Cela vous permet un résultat plus naturel, plus fluide."

En fin de compte, la construction de Bridgeway Plaza a pris six mois et a la taille d'un demi-terrain de football. La scène était si immense qu’aucun décor ne pouvait l’accueillir. De plus, une hauteur considérable était nécessaire pour réaliser des prises de vues aériennes et pour accueillir les grues d'éclairage nécessaires à l'éclairage de la scène. Une autre complication était que le décor devait s'étendre sur plusieurs périodes au cours du scénario : 1964, lors de la première visite de Frank ; 1984, lorsque la vision induite par l'épingle de Casey se produit ; et 2014, lorsque se déroule la suite de l'histoire. Cette circonstance a nécessité des intervalles de six semaines entre les tournages pour permettre à l'équipe de redécorer et de changer le décor pour chaque période.

Au début, le tournage sur place ne semblait pas poser de problème puisqu'il aurait lieu en plein été à Vancouver. Mais lorsque George Clooney a été embauché, il tournait encore « Monuments Men », ce qui a retardé de cinq mois le début de « Tomorrowland ». Les scènes de Bridgeway Plaza de Clooney ont été tournées fin novembre et début décembre, la période de l'hiver où il pleut le plus à Vancouver. Au début, le producteur Jeffrey Chernov ne pensait pas que ce serait un problème « parce que les équipes là-bas sont habituées aux intempéries ; elles savent construire des systèmes de drainage pour garder les décors au sec.

Et la vérité est que pour honorer la philosophie optimiste du film, ou qu'un ange gardien soit intervenu, la météo s'est merveilleusement bien comportée. "Nous avons construit beaucoup de couvertures pour pouvoir nous mettre à l'abri s'il commençait à pleuvoir. Mais nous n'en avions pas besoin. En fait, ce furent les six semaines d'hiver les plus sèches à Vancouver depuis 1952. Ce qui est drôle parce que le titre original de notre film était "1952". Tout le monde nous disait que nous étions fous et je suis d'accord. Terminer le tournage a été un énorme soulagement. "

Mis à part les petits miracles, la chose la plus impressionnante du décor de Bridgeway Plaza était le monorail. "Une fois terminé et les lumières et les vitres installées", explique le coordinateur des effets spéciaux Mike Vézina, "il pesait environ 15 800 kilos. L'équipage a donc dû trouver un moyen de déplacer en toute sécurité le monorail chargé de la livraison principale le long d'une voie située à 5 mètres de haut et de l'arrêter encore et encore exactement dans la même position."

L'équipe des effets spéciaux a utilisé des treuils hydrauliques qui se fermaient très rapidement en cas d'urgence et des freins qui faisaient arrêter le monorail à un repère bien précis, la porte s'ouvrait automatiquement et les acteurs pouvaient partir. L'équipe a utilisé un système hydraulique massif de 500 chevaux et un lourd câble en acier pour faire avancer et reculer le monorail sur les deux treuils. Vezina ajoute : "Pour maintenir la position, nous avons utilisé des faisceaux laser qui nous indiquaient avec un millième de centimètre d'erreur si le monorail franchissait la marque afin que nous puissions le déconnecter. Heureusement, il n'était pas nécessaire d'utiliser les mécanismes de sécurité car cela fonctionnait parfaitement tout le temps."

L'autre défi de Vézina était le décor de la Tour Eiffel, qui devait s'ouvrir en deux pour que le vaisseau spatial Spectacle émerge. "Nous avons dû construire une réplique de toute la partie supérieure de la Tour Eiffel", explique Vézina, "puis nous avons mis le tout sur une base métallique que nous avons conçue et construite sur des rouleaux. Nous avons installé une rampe qui nous permettait d'effectuer toutes les tâches dont nous avions besoin. L'ensemble pesait environ 45 000 kilos, nous avons donc mis un système d'airbag en dessous pour que l'ensemble flotte. Cela nous permettait de le déplacer ou de le faire trembler avec des rampes plus petites. Nous avions également un système de moyens pour tout lancer doucement et à plusieurs reprises. Parce que bien sûr, quand on tourne un film, on ne le fait pas tout d'un coup."

Hugh Laurie a été impressionné par les plats. Il les a qualifiés de « absolument splendides ». Il ajoute : "Cela me semble incroyable que tout cela ait été construit pour que je puisse dire mon dialogue. C'est comme s'ils avaient construit le Caire derrière moi. L'échelle est spectaculaire et je suis sûr que tous les designers doivent être ravis des possibilités qu'ils ont eu avec ce projet parce qu'ils ont fait ce qu'ils voulaient."

Dans l'histoire, une recherche sur Internet mène Casey à Houston, au Texas, et à l'étrange magasin de souvenirs appelé Blast From the Past, qui a été entièrement construit sur le plateau. « Blast from the Past est un mash-up de librairie de science-fiction dont le réalisateur Brad Bird et moi nous souvenons de notre jeunesse », explique le chef décorateur Scott Chambliss. "Différentes villes, différents magasins, mais le même sentiment qu'un enfant qui passe une bonne partie de la semaine dans ce magasin, fouillant dans tout. Le décorateur Lin MacDonald a passé des mois à constituer la collection ; il y a des milliers d'objets que la production a achetés ou fabriqués, et de nombreux originaux, dont certains que Brad a apportés de sa propre collection."

Keegan-Michael Key, dont le personnage Hugo Gernsback est propriétaire du magasin avec sa femme Ursula, s'enthousiasme : "Nous avons des affiches classiques de science-fiction, la figurine originale de Luke Skywalker de 1970 et des trucs de "Space 1999" avec Martin Landau. Et aussi des étagères pleines de bandes dessinées. L'endroit est un rêve. Ce qu'ils ont fait, c'est construire un magasin et le placer au milieu d'un décor. C'est incroyable. "

La maison de Walker était un décor qui nécessitait également une touche spéciale de la part de l'équipe de conception, mais dans un sens complètement opposé à celui attendu. "Il n'y a pas eu d'amour dans la maison de Frank depuis longtemps", explique le chef décorateur Scott Chambliss, "et c'est un véritable reflet de Frank, qui n'a pas ressenti d'amour depuis longtemps non plus. Nous ne voulions pas faire une maison effrayante, mais la vérité est qu'il traverse une période sombre de sa vie et la maison reflète la paranoïa qu'il ressent. Il essaie également de recréer une partie de ce qu'il a vécu à Tomorrowland, mais maintenant il ne s'agit plus seulement de son peur, mais aussi du bonheur qu'il avait ressenti auparavant lorsqu'il inventait et « explorait ».

C'était un défi pour Chambliss de recréer l'Exposition universelle de 1964 pour Tomorrowland, mais les cinéastes ont eu la chance de trouver l'une de ses pièces emblématiques, l'Unisphere, qui se trouvait à Flushing Meadows, New York, à l'extérieur du centre national de tennis de l'USTA. Les fontaines de l'énorme globe sont toujours debout ainsi que les jardins. Les cinéastes ont envoyé un photographe à Nueva pour prendre des photos. De cette façon, ils pourraient avoir les vraies images à insérer dans les scènes.

Ces décors ont été une grande satisfaction pour les cinéastes, mais l'un d'entre eux résumait le véritable sens du film : la véritable rampe de lancement de la NASA à Cap Canaveral. Brad Bird note : "Beaucoup d'entre nous sont fascinés par la NASA et ses missions. Donc être là et pouvoir filmer certaines scènes était incroyable. Notre tournage a commencé avec le lancement de la sonde Maven vers Mars. Nous avons donc pu la voir depuis la plateforme où de nombreuses missions de la NASA ont été lancées."

Se souvenant de l'excitation du moment, le producteur exécutif John Walker a déclaré : "Le simple fait d'être là était incroyable. Je me souviens que lorsque j'étais enfant, j'avais regardé ces incroyables fusées s'envoler dans le ciel. Pendant que nous étions là-bas, nous avons vu le lancement de Maven en direct et plus près que la presse ne l'a vu. C'était incroyable. Ce moment compense tout."

Même s'il s'agit de loin du plus spectaculaire, Cap Canaveral n'est que l'un des nombreux lieux du film. Le tournage du film a commencé dans une ferme de Pincher Creek, en Alberta, où les cinéastes ont payé un agriculteur pour qu'il cultive du blé d'automne qui a une teinte ambrée très particulière. Pour le réalisateur Brad Bird, c'était la représentation parfaite de la campagne. L'équipe a ensuite déménagé dans une ferme à Enderby, en Colombie-Britannique, pour filmer la ferme de Walker et ses champs de maïs, qui ont également été cultivés spécifiquement pour le tournage.

Tourner dans les champs de blé a été une expérience très particulière pour Britt Robertson. "Ma première semaine de tournage s'est déroulée dans les champs de blé. Nous sommes allés dans la campagne de l'Alberta où la production avait planté plusieurs acres de blé sur les terres des gens. Être là-bas était si réel, c'était magnifique et l'une des plus belles expériences de ma vie. Tourner là-bas n'était pas comme jouer parce que j'étais émerveillé par ces champs de blé. L'équipe a fait un travail fantastique en créant ces expériences pour le public, mais pas seulement pour le public mais aussi pour les acteurs, donc vous voyez les acteurs vivre des expériences réelles incroyables. "

En plus des lieux canadiens, ils ont tourné en Espagne et à Vancouver avec des lieux supplémentaires dans ce dernier endroit pour reproduire le Hall of Invention et l'Unisfera Plaza à l'Exposition universelle. De même, le tournage a également été réalisé dans l'attraction It's a Small World de Disneyland à Anaheim, deux jours sur une place aux Bahamas et le tournage d'une deuxième unité à Paris. Et si l'on compte les planches du producteur d'effets visuels Tom Peitzman du Globe de l'Exposition universelle dans ce qui est aujourd'hui Flushing Meadows Park, le site du Queens où s'est tenue l'Exposition universelle de 1964, New York fait également partie des lieux. Au total, le film comportait 90 combinaisons différentes de décors et de lieux et fut déplacé dix fois, ce qui est très inhabituel au cinéma.

"Je n'ai jamais travaillé sur un film de cette ampleur", note le producteur exécutif John Walker. "Chaque semaine, il y avait un miracle. Il y avait des décors géants sur des cardan, un ancien vaisseau spatial sur un autre cardan, des séquences circulaires à 360 degrés que nous avons tournées pour une séquence de type Google Earth, un garçon de 11 ans volant dans un simulateur de parachutisme... merveille après merveille. C'était très complexe ; il a fallu beaucoup de préparation, de travail et de technologie pour mettre tout cela ensemble, mais c'était fantastique."

Travailler avec des spécialistes

Pour préparer les enfants à leurs rôles, les cinéastes ont embauché le superviseur des cascades Robert Alonzo. «J'ai dû leur demander de passer un test physique pour être sûr qu'ils pouvaient gérer ce qui les attendait», explique Alonzo. "Après avoir rencontré Raffey pendant une demi-heure, j'ai dit aux producteurs : "Vous avez un champion. Cette fille va faire des choses phénoménales.' Elle a fait de la natation, de la gymnastique, du fil et des arts martiaux, ce qui était la chose la plus importante que nous avions besoin qu'elle apprenne pour ce film."

Mais Alonzo a vite découvert qu'il devait adapter ses méthodes pour bien entraîner Raffey. "Un enfant ne sait pas ce qu'est une bonne ou une mauvaise défense. Il ne le comprend pas. Il pense qu'il le fait pour un film. Et il va devenir un super-héros. Donc ses coups de poing et ses coups de pied étaient bons mais ils n'avaient aucun but. Je lui ai demandé : "Qu'est-ce que Casey signifie pour Athena ?" J'ai dit : « Vous avez une famille qui vous aime ; et tu aimerais les protéger, n'est-ce pas ? touches ! » ou "Laissez ma sœur tranquille!" pour qu'il comprenne et connaisse la valeur du mouvement. Parce qu’il n’y a pas d’autre moyen de trouver le bon visage et que le visage est la clé. Le public ne se souvient pas du coup de poing, il se souvient du visage, de la réaction après le coup de poing. "Il connaît le but de ce qu'il fait et ça s'avère génial. C'est incroyable."

Pour Raffey Cassidy, la formation lui a permis de découvrir une nouvelle compétence qu'il ne connaissait pas. "Je ne connaissais rien aux arts martiaux ni au combat", explique Raffey, "et maintenant que je sais frapper, je le fais mieux. En fait, grâce à l'entraînement que j'ai reçu, je suis maintenant ceinture jaune."

Dans le cas de Thomas Robinson, le problème était différent. « Au début, Thomas avait le vertige », raconte Alonzo. "Nous ne savions pas comment mettre le garçon dans un harnais et donner l'impression qu'il volait confortablement dans un jet pack à 80 mph. Nous avons donc commencé à nous entraîner avec lui au trapèze car cela implique beaucoup de travail avec le harnais ; nous avons commencé à lui apprendre à tomber pour qu'il se sente à l'aise pour faire ses propres cascades."

Thomas confirme : "Les sellettes sont très confortables. Elles me permettent de voler à dix mètres de hauteur donc ça vaut le coup. C'est une des choses les plus cool que j'ai fait de ma vie."

Ensuite, la production a annoncé qu'elle souhaitait faire une séquence de soufflerie en extérieur avec Tomás. Et ils l’ont envoyé chez iFly pour apprendre à utiliser un simulateur de saut en chute libre. "Je ne l'avais jamais fait avec un enfant auparavant. Mais Thomas a très bien réussi en soufflerie. Nous avons donc fait beaucoup plus de choses avec lui. Je dois dire qu'il a fait un travail fantastique. Je suis très fier de lui pour tout ce qu'il a surmonté. Il avait très peur de devoir voler seul à 18 mètres et au final il s'est bien amusé."

Le problème avec les enfants, c'est qu'ils sont prêts à tout pour vous plaire et c'est un danger. « Les enfants veulent réussir et ils ne connaissent pas leurs limites », explique Alonzo. "Il faut donc s'assurer qu'ils comprennent qu'ils doivent se sentir à l'aise et ne pas essayer de plaire à qui que ce soit. Nous faisons tous les tests nécessaires et nous respectons les protocoles, mais nous ne pouvons aller que dans la mesure où ils se sentent mentalement capables. Je dois donc établir une relation très claire avec l'enfant et aussi avec les parents. Nous devons nous faire confiance et j'ai besoin que les enfants soient totalement honnêtes avec moi. Je leur dis et je demande à leurs parents de leur dire que s'ils se sentent mal à l'aise avec quelque chose ou s'ils sont fatigués ou s'ils se sentent mal, je dois dites-le parce que mon travail consiste à assurer leur sécurité et à faire le meilleur travail possible.

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