‘Mar i Cel’: la producción audiovisual que convirtió un musical en una experiencia cinematográfica

3猫 abordó la última grabación del clásico musical de Dagoll Dagom ‘Mar i Cel’ como una película de alto valor patrimonial, combinando cámaras de cine digital y las nuevas ópticas Duvo de 富士能 en una producción con un enfoque cinematográfico en HDR, 4K, Dolby Atmos, con una postproducción intensiva y la preservación de todo el material a prueba de futuro en LTO de 富士胶片。

新视听制作 马尔和赛尔 no nació como una simple captación teatral del clásico musical catalán. Desde su planteamiento inicial, el proyecto impulsado por 3Cat buscó ir más allá del registro multicámara convencional para transformar uno de los grandes musicales del teatro catalán en una experiencia concebida para pantalla grande, con ambición cinematográfica, sonido inmersivo y vocación de legado.

La obra de la compañía teatral Dagoll Dagom, convertida en referencia para varias generaciones de espectadores, ya había sido grabada en otras ocasiones por TV3. Sin embargo, esta nueva versión partía de una premisa distinta: si esta podía ser la última oportunidad de registrar el montaje, el resultado debía ofrecer una mirada nueva, capaz de conservar la esencia del espectáculo, pero evitando que el espectador sintiera que estaba simplemente viendo teatro filmado.

El punto de partida era especialmente complejo. La producción debía capturarse en el propio teatro, sin trasladar la obra a un plató ni alterar de forma sustancial su iluminación escénica. Además, el rodaje se concentró en solo dos jornadas, lo que obligó a diseñar un dispositivo técnico capaz de combinar la seguridad operativa del directo con la calidad visual y sonora de una producción cinematográfica。

Para su director, Paulí Subirà Claramunt, el objetivo pasaba por “juntar la idea de producción televisiva multicámara y elevarla tanto visual como sonoramente para llegar a un nivel de producción que pudiera ir a pantalla grande”.

El reto no era menor. 马尔和赛尔 es una obra de gran escala, con un fuerte componente musical, una escenografía icónica y una iluminación de alto contraste. Su puesta en escena está pensada para la mirada del espectador sentado en la platea, no para la fragmentación narrativa de una cámara. Por ello, el equipo de 3Cat tuvo que redefinir el lenguaje audiovisual de la grabación。这 estrategia narrativa se basó en evitar la percepción de teatro filmado. La cámara no debía limitarse a documentar lo que sucedía sobre el escenario, sino entrar en la escena, acercarse a los personajes, reforzar la emoción y construir una gramática visual próxima al cine. Para lograrlo, se apostó por planos más cerrados, ritmo de montaje elevado y una selección muy precisa de encuadres una mirada más inmersiva, con el espectador situado dentro del conflicto dramático y no frente a él.

泽维尔·博内特, al frente de la realización y postproducción del film, resume la dimensión del desafío al señalar que “realmente lo que hemos hecho ha sido crear una película, pero con la diferencia de que tan solo se ha grabado con dos jornadas de rodaje”.

Cine digital con filosofía broadcast

Uno de los elementos diferenciales de la producción fue la elección de cámaras y ópticas. El equipo optó por trabajar con cámaras de cine digital y ópticas Fujifilm Duvo, buscando una textura de imagen más próxima al largometraje que a la captación televisiva tradicional. Esta decisión resultaba clave para conseguir profundidad, control de foco, reproducción de color y rango dinámico adecuados para una explotación en pantalla grande.

Al mismo tiempo, el dispositivo técnico debía conservar la agilidad del broadcast. La obra no se detenía, los actores actuaban en continuidad y las cámaras debían operar en un entorno multicámara con control remoto, supervisión constante y capacidad de reacción inmediata ante los cambios de escena e iluminación. La producción se movió, por tanto, en un territorio híbrido: cámaras y ópticas de cine, pero con una operativa propia de una unidad móvil.

摄影指导 多梅内克·吉伯特 (AEC) explica que “la idea principal consta en poder trabajar con cámaras de cine digital, pero con la filosofía de lo que sería el broadcast”. Este planteamiento permitió aprovechar las ventajas de ambos mundos. Por un lado, la flexibilidad y control de una producción multicámara en directo; por otro, la calidad de imagen, la respuesta en altas luces y bajas luces, y la estética propia de los sistemas de cine digital. La combinación resultaba especialmente importante en un musical como 马尔和赛尔, donde la iluminación teatral no podía adaptarse libremente a las necesidades de cámara.

Uno de los mayores retos visuales fue la gestión de la exposición por lo que la elección de las ópticas resultaba clave. La iluminación original de la obra se mantuvo prácticamente intacta, lo que obligó al equipo técnico a trabajar con niveles de luz muy variables y con escenas de fuertes contrastes. Lo que funciona para el ojo humano en una sala teatral no siempre se traduce de forma directa a una cámara, especialmente cuando se pretende obtener un máster HDR y una imagen válida para proyección cinematográfica. Las cámaras debían conservar detalle en zonas oscuras, evitar la saturación en altas luces y mantener una reproducción natural de pieles y colores. La obra presentaba diferencias de varios pasos de exposición entre escenas, lo que exigía un control permanente de diafragmas, señales de monitorización y herramientas de análisis de imagen como rasterizadores y monitores con false color. Las ópticas Duvo de Fujifilm permitieron captar las imágenes de la obra obteniendo una gran resolución y una increíble reproducción del color。

El rango focal de las Duvo 24-300 permitió cubrir desde planos amplios del barco hasta primeros planos de personajes, manteniendo una gran versatilidad en un entorno donde la movilidad y el tiempo de reacción eran críticos. Esta polivalencia fue esencial para resolver una producción en la que no había margen para repetir indefinidamente ni para reconstruir la puesta en escena en función de las cámaras.

La decisión de huir de los planos generales fue uno de los rasgos más significativos del proyecto. En muchas captaciones teatrales, el plano abierto funciona como recurso de seguridad: permite ver la escena completa y orienta al espectador. En 马尔和赛尔, sin embargo, abusar de ese recurso podía reforzar la sensación de distancia y artificio. La realización apostó por planos cortos, cambios de eje controlados, detalles expresivos y una mirada más cercana a los personajes. Esta aproximación obligó a confiar en la continuidad emocional más que en la visión completa del escenario. El barco seguía siendo el gran icono escénico, pero la cámara no debía limitarse a contemplarlo desde la platea.

El lenguaje buscaba ser inmersivo sin convertirse en una experiencia de realidad virtual ni en una traducción literal del escenario. Se trataba de ofrecer al espectador una posición imposible en el teatro: estar dentro de la escena, cerca de los intérpretes, participando de la tensión dramática y de la energía musical.

后期制作

La captación se realizó con nueve cámaras grabando simultáneamente. Todas las señales se registraron en HyperDecks y posteriormente se trasladaron a sala de postproducción, donde se conformó un proyecto de más de 50 pistas de vídeo. A partir de ese momento, la verdadera construcción cinematográfica de 马尔和赛尔 se desplazó al montaje.

La postproducción tuvo que resolver varios niveles de complejidad. En primer lugar, la sincronización y selección de planos procedentes de múltiples cámaras. En segundo lugar, el ajuste narrativo para evitar la sensación de realización televisiva. Y, en tercer lugar, la sincronía labial propia de un musical grabado en diferentes tomas, donde los intérpretes no cantan exactamente igual en cada pase.

El trabajo exigió mover planos al frame, ajustar entradas y salidas, reforzar la continuidad emocional y construir una cadencia que permitiera mantener el pulso cinematográfico sin traicionar la naturaleza escénica del original. La edición no se limitó a elegir la mejor cámara disponible en cada momento: debía crear una película a partir de una materia prima procedente de una representación en vivo.

La producción generó másters en 4K, 50 fotogramas por segundo y HDR, además de versiones SDR y DCPs para proyección cinematográfica. La magnitud del material obligó también a desplegar una estrategia de almacenamiento y preservación a largo plazo, con uso de cintas LTO-8 de Fujifilm dentro del sistema robotizado de archivo de 3Cat.

Y es que más allá de su complejidad técnica, la grabación de 马尔和赛尔 responde a un compromiso de preservación patrimonial. La obra forma parte de la memoria cultural reciente de Cataluña y ha sido vista por más de 1,6 millones de espectadores. Registrar esta última versión con estándares técnicos de alto nivel supone preservar no solo una función, sino una pieza relevante del teatro musical catalán.

El volumen del proyecto refleja esa ambición. Según el material de producción, el conjunto supera los 60 TB, una cifra que evidencia tanto la escala de la captación como la necesidad de diseñar una política de conservación robusta. En este contexto, el LTO se consolida como soporte estratégico para garantizar la preservación del material durante años. La producción no se planteó, por tanto, como un contenido efímero, sino como un activo audiovisual de largo recorrido: una obra destinada a circular en salas, televisión, plataformas o archivo, manteniendo la máxima calidad posible en cada ventana.

Dolby Atmos para situar al espectador en escena

Si la imagen buscaba romper la distancia de la platea, el sonido debía completar esa inmersión. La producción sonora fue uno de los apartados más ambiciosos del proyecto. El equipo partió del sonido original del teatro, especialmente de las voces captadas en sala, y lo combinó posteriormente con una nueva grabación orquestal a cargo de la Orquesta Sinfónica del Vallès.

El objetivo era conservar el ADN interpretativo de las voces originales y, al mismo tiempo, elevar la dimensión musical de la película. Esta operación planteó numerosos desafíos: sincronización, integración tímbrica, limpieza de fuentes, adaptación al entorno 杜比全景声 y rediseño de la espacialización para que el espectador no recibiera simplemente una mezcla frontal, sino una experiencia envolvente.

略伦斯·戈麦斯, al frente del sonido, define 马尔和赛尔 como “uno de los proyectos más arriesgados e innovadores que hemos realizado a nivel de audio aquí en 3Cat”. La captación se diseñó con arrays preparados para una posterior mezcla en Dolby Atmos. El proyecto también contempló adaptaciones para reproducción en dispositivos móviles mediante auriculares y tecnologías binaurales derivadas de la decodificación Atmos. Esta doble orientación (sala cinematográfica y consumo personal) obligó a pensar el sonido desde una perspectiva multiplataforma.

La grabación con una orquesta sinfónica clásica introdujo, además, retos de disposición espacial. Trabajar en Dolby Atmos exigió modificar en parte el layout habitual de los músicos para obtener una experiencia inmersiva coherente. La colaboración con Sergi Cuenca, director musical de Dagoll Dagom, fue clave para encontrar un equilibrio entre las necesidades musicales y las exigencias de la mezcla cinematográfica.

La postproducción sonora también recurrió a 人工智能工具 y tecnologías avanzadas para resolver la integración entre voces originales y nueva base orquestal. El proceso debía mantener la emoción de la interpretación teatral, pero situarla dentro de una banda sonora con mayor escala y profundidad.

El desafío era especialmente delicado porque las voces procedían de una representación en directo, con una orquesta pensada originalmente para la sala. Al añadir una orquesta sinfónica posterior, el equipo debía evitar que la mezcla sonara superpuesta o artificial. La prioridad era que el espectador percibiera una unidad orgánica entre escena, voz, música y espacio. El resultado perseguía una idea clara: colocar al público en el centro del espectáculo. No solo frente al barco, sino dentro de su atmósfera dramática y musical.

Una producción concentrada, compleja y de alto riesgo

La singularidad de 马尔和赛尔 reside en la combinación de factores que rara vez coinciden en una misma producción: rodaje ultraconcentrado, obra en directo, cámaras de cine digital, operativa broadcast, HDR, 4K, Dolby Atmos, nueva grabación orquestal, postproducción intensiva y preservación patrimonial.

Cada decisión técnica tuvo una consecuencia narrativa. La elección de cámaras y ópticas permitió acercarse a la textura cinematográfica. La mezcla en Atmos reforzó la inmersión. La edición al frame permitió transformar el multicámara en relato fílmico. La preservación en LTO aseguró la continuidad del material como archivo histórico.

El proyecto demuestra cómo la captación de artes escénicas puede evolucionar cuando se aborda no como un subproducto televisivo, sino como una producción audiovisual de pleno derecho. En este caso, 3Cat no se limitó a registrar un musical: construyó una versión cinematográfica de una obra que forma parte del imaginario colectivo. Su valor no reside únicamente en la sofisticación técnica, sino en la forma en que esa tecnología se pone al servicio de una obra conocida por varias generaciones de espectadores.

La captación permite que quienes ya vieron el musical descubran otra mirada sobre el montaje, y que quienes no lo conocían puedan acceder a él como una película basada en una obra teatral, pero no condicionada por los códigos habituales de la captación escénica. Esa diferencia es la que define el proyecto: respetar el origen teatral mientras se construye una experiencia audiovisual autónoma. La última travesía del barco pirata no queda así limitada al escenario. Gracias a esta producción, el musical adquiere una nueva vida audiovisual: más cercana, más envolvente y concebida para perdurar.